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Conciertos en VIVO a través de Google+ : rompiendo la barrera

José Serralde — Fri, 26 Aug 2011 19:17:10 +0000

Hace un mes, Daria Musk, intérprete de pop neoyorquino con todas las imprecisiones del término, ofreció un concierto en línea que puso a pensar al equipo de Chee Chew, ingeniero y director en Google sobre los usos interesantes de la transmisión de conciertos en vivo, a través de la infraestructura de Google+.

Este no fue un proyecto nacido en California. Daria, artista independiente de Connecticut, recibió en julio 16 una invitación para Google+, y anunció por ese medio, un concierto desde su estudio a través del sistema de Hangouts. Los Hangouts tristemente traducidos como Quedadadas, son un servicio que puede albergar hasta diez personas viéndose y escuchándose simultáneamente a través de su navegador; propuesto como una forma espontánea de comunicación usando webcams, no es necesario ser sabio para adivinar que Hangouts era otra estocada en la gesta por el control de masas en las comunicaciones IP (aka Micro$ucks Skype).

Esa noche el pequeño concierto se volvió un fenómeno, la voz se corrió, y cientos de personas desfilaron como en carrousel por esos 9 asientos de primera fila, permitiendo que Daria pudiera ver los rostros de sus espectadores. No hay muchos detalles publicados, pero es verdad que el equipo de Google se enteró del fenómeno, y comenzó en ese momento, a adecuar el servicio de G+ para controlar esa rotación civilizada.

El 23 de julio sucedió un segundo concierto, esta vez, a manera de “streaming”, al que acudieron 9000 “cybervidentes”, y por supuesto, se conservó la rotación de los 9 lugares, para lo cual Daria tocó durante más de 7 horas, mirando 9 rostros distintos en cada vuelta… rostros de muchas partes del mundo.

El 20 de agosto, sucedió un tercer concierto. Y ahora, a través de http://hangoutparty.com/ está programado un show de bodypainting, un artista independiente más y otros eventos con el mismo formato.

Lo que me resulta más interesantes de este experimento es: que el artista puede ver a su público. Si bien parece algo más bien romántico, la dimensión de la interacción con el público; un público sintético de 9 espectadores, ha comenzado a quitarle el sinsentido escénico de una transmisión por Internet, ridículamente distante y objetual, para convertirlo en un espacio de interacción. ¿Una webcam y un micrófono son suficientes? Por supuesto que no. Son “más suficientes” que un Chat, pero eso es sólo, porque el lenguaje, escrito primero y luego corporal, construyen la experiencia del concierto. Lo demás… es pura representación. Aquí se rompió una barrera, y como con en el caso de Daria, el balón comienza en el lado de la sociedad y su manera de acceder a las artes escénicas… nuestros ingenieros (ojalá no más de Google) tendrán la responsabilidad.

Fuentes: Marketwire, Midem, Chee Chew en Google+ y Daria Musk en Twitter

ACTUALIZACIÓN: me llama también la atención que el fenómeno tuvo relativamente poca cobertura en medios; Daria no es un músico de gran corporativo, y las cifras no son grandes como para hacer escándalo. Es una lástima, la trascendencia no se trata de número… sino de cambios en la cultura del consumo para quienes sí están EN-LÍNEA.

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Letras de fantasía, voz, piano y compositores mexicanos

José Serralde — Wed, 04 Aug 2010 07:39:12 +0000

Rebeca Samaniego, como pocas mezzosopranos en este marasmo de exhuberante talento mexicano alcanzó una beca. Pero lo mejor es que la ha utilizado en un proyecto excelente: dentro de la categoría de FONCA Creadores Escénicos 2009 estudió y confeccionó un programa vocal que ha titulado Letras de Fantasía, para el que montó obras para voz y piano de 6 compositores mexicanos. El resultado se podrá ver el próximo jueves en el Aula Magna del Centro Nacional de las Artes (Río Churubusco 79, esq. Tlalpan) a las 19 hrs.

ACTUALIZACIÓN. Gabriela Pérez me comenta: “Hoy miércoles (4 de agosto) a las 10 PM, estaremos Rebeca y yo en Opus 94 (94.5 FM) con Dulce Huet, platicando sobre las obras del concierto del jueves, por si quieren escuchar un adelanto :)”

La soprano sobresalió en 2005 tras ganar el Concurso de canto Francisco Araiza. Graduada en la Escuela Nacional de Música, ha cultivado una joven pero contundente trayectoria que la ha puesto en papeles operísticos bastante importantes y en otros formatos escénico vocales. Como ejemplos, qué tal la voz del niño en L’enfant et les sortilèges, o la puesta en escena de Yoshi Oida para el Winterreise de Schubert, sin dejar de lado la interpretación de Idelbene en la ópera Ildegonda de Melesio Morales.

Otra egresada de la nacional de música es Gabriela Pérez, docente de la ENM que además de ser una excelente pianista, hoy es también una de las más avezadas investigadoras sobre temas de cognición musical en México. Su formación la colocó en Paris y posteriormente sus resultados de investigación han sido expuestos en Europa, Latinoamérica y Estados Unidos.

Es hora de que conozcamos esta propuesta ¿no?

Así es como el próximo 5 de agosto en punto de las 19:00 hrs, en el Aula Magna del Centro Nacional de las Artes (Río Churubuso 79, Col. Country Club)

El programa va más o menos así:

Hilda Paredes
Canciones anacrónicas (1979)

Horacio Uribe
Verlain (2000)

Federico Ibarra
Six melodies (2000-2003)

Jorge Vidales
Agua: cuatro poemas de Gabriel Zaid (1998)

Jorge Cordoba
Evanescencias (1990)

Leticia Armijo
Murmullo de Sirenas (2007)

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Arturo Márquez, Mara Tamayo y "La Chávez".

José Serralde — Sat, 24 Jun 2006 18:05:00 +0000

Hace algunas semanas, comentaba con Arturo Villela (para variar), sobre la magnífica música "pop" de concierto a la que una población aunque fuera reducida, tenía acceso en la Italia del siglo XVIII. La idea me atravesó la cabeza al estar escuchando algunos de los conciertos de L'Estro Armónico de Antonio Vivaldi, grabados por la increible Europa Galante de Fabio Biondi (VMD 5 45315) en aquella legendaria llegada a Virgin Records.

Si bien la definición de la música pop necesita de los pilares conceptuales de la posmodernidad para sobrevivir, el término no tiene porqué no funcionar para el ingenioso Vivaldi y su gran cantidad de música ligera, de una belleza inconmensurable pero finalmente, "pop" - preparada para el goce de los públicos sin mayor complicación. Aunque la obra de "el cura rojo" no se limita a eso, nuestra conclusión fue: "qué buen pop se escribía en el siglo XVIII".

Haciendo una analogía con el consumo cultural contemporáneo, y pese a que a Arturo Márquez se les escucha quejarse de la casi única e inminente asociación que su obra tiene con el danzón, me parece que los alcances de gran parte de su obra, le merecen el reconocimiento de "uno de nuestros mejores compositores de música pop orquestal en México".

Así lo evidenció la ejecución de su pieza Máscaras, concierto para arpa, en manos de la muy joven Mara Tamayo como solista. Dirigió la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, Santiago Serrate.

La obra, que incluía una narradora dentro de la orquesta, se dedica a explorar metáforas en medio del sufrimiento de las mujeres. Las lecturas posibles en 2006 comienzan, por supuesto, entre las mujeres muertas en Juárez al norte de México, pero terminan en todas las posible interpretaciones del escucha.

Música asequible y consumible. Absolutamente tonal y disfrutable. Sin sobre saltos formales o estructurales, arrancó un aplauso constante y elongado por parte de los asistentes al finalizar la ejecución de las 4 partes de la obra.

Santiago Serrate parece tener ya una carrera muy notable y que "todos debemos de aplaudir" considerando que tiene 31 años. Eso lo digo con absoluta convicción, no debe ser fácil ni siendo cuñado de alguien...

Sin embargo, y esto pudo deberse a la orquesta, la precisión y eficiencia del concierto dejaron mucho que desear. Las malas aveniencias se dejaron ver desde el inicio cuando la 300% "pop" Obertura Cubana de George Gershwin estuvo plagada de imprecisiones y faltas de balance sonoro muy graves (en momentos hubieramos deseado que la tarola se callara si no podía integrarse al volumen del resto de la orquesta). La relación de Santiago y la orquesta, quizás por la corta edad de todos, se antojaba muy problemática.

Mara por su parte, tan magnética como siempre, se movió con comodidad a lo largo de la partitura; en su mayoría con tempi estrictos y con rubatos muy moderados (demasiado para mi gusto). Supongo que a Marquez le complace esa interpretación, y quizás la obra es finalmente funcional así.

De "la Chávez" últimamente se puede esperar todo: desde formidables entregas hasta desencajadas insinuaciones de obras; sin embargo, el sonoblog mantiene una estricta premisa - nada de ataques ni críticas mordaces -. Por el contrario, buenas espectativas para escucharles mucho mejores conciertos.

De regreso a la obra de Márquez: en cuanto al contenido de los versos, me costó en lo personal conectar su intensidad con las construcciones tonales y nostálgicas del compositor. Disfruté claro la obra, pero compuse después esa idea: que la habilidad de Márquez para tocar un tema tan indignante como enervante a través de la música tonal, estaba centrada en gran parte en su relación con los públicos asiduos a su música. Dicho con menos precisión, Arturo hace música para compartir, y en estos tiempos esa es una labor infinitamente loable.

Proporciones guardadas en todos los sentidos, Arturo Marquez es un compositor de pop orquestal, como lo fue Vivaldi, en medio de la post-post-post modernidad.

En cuanto a Santiago, urge que le escuchemos con distintas orquestas para apreciar su talento. De Mara sabremos mucho más a través de los años.

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Jamiroquai - México - 2006.

José Serralde — Thu, 20 Apr 2006 20:14:03 +0000

Un Auditorio Nacional abarrotado, recibió el pasado 4 de abril al grupo de funk totalmente pop, Jamiroquai. El concierto satisfizo las perversiones de todos los amantes del dance-floor en masa, con los excelentes grooves de la banda y la más o menos tolerable extrafalariedad de Jay Kay, líder y vocalista del grupo.

Las eternas barras dobles (repeticiones) de sus canciones, energizaron a una multitud que coreo letras o improvisó balbuceos que igual sirvieron para la experiencia gregaria.

No obstante, y aunque nos divertimos muchísimo y gritamos idem, aquellos que buscábamos también los solos jazzísticos y delicias instrumentales que caracterizan los fonogramas de este ensamble, tuvimos que conformarnos sólo con las excelentes ejecuciones del baterista y algunos solos restringidos del bajo y la guitarra.

La sonorización del siempre inadecuado Auditorio Nacional fue terrible; en momentos se escuchó un amasijo de frecuencias en el registro graves-medios que hicieron inaudible la mayor parte del concierto, sobre todo para segundo y tercer piso. Por su parte, el tecladista de la gira hizo un trabajo poco notable en su único solo de la noche (rítmicamente interesante, pero armónicamente estático).

Escuché, al salir, más de 3 comentarios que loaban el concierto anterior sobre éste. Hay que recordar que esta fue la primera vez, 2006, que Jamiroquai se presenta en México sin el uso de secuenciadores y tornamesas en el escenario.

Aunque divertido y energético, el concierto desesperó a algunos por la terrible sonorización del espacio y la falta de ejecuciones instrumentales sobresalientes.

Como sea, nada impidió que las canciones nos llevaran a todos a momentos eufóricos, o al menos a pararnos en la silla, para explotar en la catarsis de miércoles por la noche.

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English briefing:

Jamiroquai performed in Mexico last April 4th. The concert was nice despite of the venue (National Auditorum) and its terrible acoustic propagation.

Solos were somehow boring, despite percussion section was outstanding. Worst was the keyboards' solo, rhythmically interesting but harmonically static.

This was the first time Jamiroquai performs in Mexico without a DJ or sequencer based back line.

The concert was anyway, exciting and energetic; it made some of us climb the chair and get cathartic.

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Joëlle Léandre y Lauren Newton, improvisaciones. Desde ese lado de la hegemonía.

José Serralde — Sat, 08 Apr 2006 21:28:36 +0000

Una sesión de improvisaciones el pasado martes 4 de abril, que renunció a inscribirse en las tradiciones europeas de concierto, logrando una filiación sutil pero muy firme con las músicas de otras tradiciones sonoras. Bajo el escenario, un público principalmente joven pero de distintas proveniencias, con los oídos más tradicionalmente educados y renuentes, o más obsesivamente postmodernos... todos siguiendo una ejecución guíada por el momento, el virtuosismo instrumental, y un paradigmo algo innovador en el casi vacío Teatro de la Ciudad, México D.F...

La presentación

Las intérpretes entraron al escenario. Joëlle Léandre, una mujer corpulenta de presencia carismática y Lauren Newton*, de cabello corto, rubio y sencilla. Joëlle tomó el contrabajo, revisó afinación e intercambió una instantánea mirada con Lauren; se balanceó suavemente tomada de su instrumento, y comenzó a improvisar.

Lo primero que reconocimos fue una habilidad y perfección en la ejecución del instrumento, que minutos después fue secundada por Newton, quien se incorporó con sutileza a a una suerte de raga proveniente del contrabajo. Pocas o ninguna alusión a la armonía tonal tradicional de occidente.

La Primera improvisación se antojó como una iniciación, tanto para ellas como para el público; un reconocimiento mutuo de identidades culturales, de lenguajes sonoros, de estéticas y de niveles de concentración. Algunos tuvimos dificultad para aceptar y descifrar la afinación de Newton; claramente Joëlle y Lauren estaban apelando a una estética ajena a sus propias culturas. Muchos armónicos en el contrabajo, golpes col legno,

Después de la ovación que agradeció el trance de la música, la segunda improvisación transcurrió con una actitud relajada por parte de ambas. Las intérpretes continuaron utilizando técnicas de ejecución extendidas en sus instrumentos. En la tercera, la impresión de la afinación diluida se desmintió cuando Newton cantó intervalos atonales en afinación temperada con una precisión increible, y Léandre le respondió con algo que anunciaba un oído absoluto, o al menos absolutamente educado.

Vinieron dos improvisaciones en solitario. La primera de Joëlle, quien nos dejó boquiabiertos en un despliegue de técnicas de ejecución impresionante, con un arco que más parecía un pantógrafo perfectamente alineado con el contrabajo, reproduciendo ideas musicales. Joëlle cantaba también. Rumbo al final de su improvisación, el carácter visceral de la pieza explotó con un juego de desmangues que hicieron discutir violentamente a dos personajes imaginarios, que ella presentó mascullando la discusión con su voz... la improvisación terminó diluyéndose con una ovación.

Tocó el turno en la quinta improvisación a Lauren sola, quien, en el humor opuesto, serenó a los presentes con líneas melódicas que ocupaban su extenso registro vocal. Pero no sólo eso... también sus impresionantes habilidades para producir multifónicos con la voz, intervalos de quinta, tercera (¡!) y octava producidos por una sola persona, constituyeron un segundo despliegue de virtuosismo en solitario.

Juntas de nuevo, presentaron una muy lúdica sexta improvisación. Fue la única en utilizar palabras en inglés para la voz, con las que las intérpretes contaron la historia de un cerdo rejego, que termina accediendo a regresar a casa por la cadena de sucesos que provocó un gato que asustó a un ratón, que royó una cuerda que ahorcó a un carnicero etc. etc. Joëlle dejó ver habilidades como contrabajista de jazz.

La atmósfera que se respiraba en el Teatro de la Ciudad era de constante gozo. Siguieron una séptima pieza, con alusiones rítmicas y tonales a las música tradicionales del Cairo. En la octava, Joëlle percutió el contrabajo en un tempo lento, como un gran corazón. Contrabajo y mujer parecían un cuerpo único, grandielocuente y grave.

Llegó así la última improvisación de la noche, con muestras de técnicas guturales en la voz, aprendidas de los cantos tradicionales del interior de Mongolia, o de el canto aborigen australiano.

Joëlle y Lauren intercambiaron menos de 10 palabras con el público a lo largo de la noche,

Apropiación desde ese lado de la hegemonía cultural.

No sé de alguien que no haya salido satisfecho de ese concierto.

Joëlle y Lauren mostraron no sólo un absoluto dominio instrumental, sino también una cultura musical de mucho trabajo en torno a las músicas de oriente y oriente medio entre otras manifestaciones.

Ambas viven y estudiaron en medio de culturas que, desde la "percepción del otro" son hegemónicas. Sin embargo, aunque en momentos estuve a punto de juzgarlas durante el concierto, la comprensión legítima de los lenguajes me sumergieron en un océano de disfrute.

Una apropiación profunda del sobrenombrado "world music",es atípica en un universo de educación musical, en el que todo conocimiento de tradiciones se absorbe inmediatamente, sin violencia simbólica, integrándose sin problemas con el riesgo de ser trivializado.

A mi parecer, para que la asimilación suceda son necesarias percepciones y sensibilidades como las de Noëlle y Lauren. Sé, no obstante, que muchos tendrán opiniones diversas.

No hay que olvidar que los músicos de repertorio musical europeo en México, y en países que no mantienen influencias de hegemonía cultural, pasan por esos procesos de encuentro con tradiciones musicales fuera de su cotidiano, a través de procesos más difíciles, que casi siempre conllevan el camuflaje de la inconsciencia (Costa Vázquez-Mariño, 1977), referido por Bourdieu y Passeron en los años setenta.

¡Tenemos mucho que aprenderles!

Considero que esta es una de las propuestas más sólidas de improvisación que hemos escuchado en la Ciudad de México.

Aun cuando la estética final de la propuesta no me pareció fuera de lo común, si constituye en mi opinión un uso formidable, pleno y sin cortapisas de la creatividad y tremenda cultura musical de las intérpretes; un espectáculo fuera de serie y que en momentos, sinceramente, me hizo derramar alguna lágrima que debió perderse en medio del oleaje de emoción y entrega al que nos sometieron estas mujeres.

Es formidable, que de ese lado de la hegemonía haya personas sensibles apropiándose de sonidos lejanos, de la mejor manera en que lo pueden hacer... colocándolos en sus mentes, manos y gargantas...

Gracias muchas, Joëlle y Lauren...

[El miércoles y jueves, Joëlle dió un taller de improvisación para músicos mexicanos; desafortunadamente no pude asistir a este, pero si alguien sabe de algún/a afortunado/a que haya estado ahí, sería bueno lanzar a la blogósfera las reflexiones sobre él.]Luis

Costa Vázquez-Mariño, Luis

1997: "Práctica pedagógica y música tradicional", en Revista Transcultural de Música. Sibe Trans Iberia. España. ISSN:1697-0101.

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Arditti toca Cage en México : Freeman Etudes

José Serralde — Tue, 04 Apr 2006 08:12:39 +0000

En una de las atípicas ocasiones que suele provocar RADAR como parte del XXII Festival de México, el violinista inglés Irvine Arditti interpretó hoy la enorme obra para violín solo "Freeman Etudes" del compositor estadounidense John Cage. Como también es costumbre en esta sección del festival, el Anfiteatro Simón Bolivar en el corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México estuvo casi repleto pese a la dificil estética setentera de la obra.

El evento fue precedido casi media hora antes por una charla introductoria a cargo de David Nicholls, quien abundo en la relación de Cage con el virtuosismo. A pesar de su imprecisérrimo traductor, la ponencia de Nicholls estuvo muy bien colocada a nivel informativo; no obstante, el formato de presentación no resultó suficiente para asistir a un público a través de la obra. La charla fue más bien una disertación interesante de Nicholls que bien pudo haber esperado mejor ocasión o ya bien, mejor lectura a través de sus propios textos. Muy poco se trató el tema de la obra a interpretarse esa noche.

De tal forma, comenzó la obra sin que muchos de los presentes estuvieran listos para enfrentarse a uno de los Cage más radicales en el empleo de técnicas organizativas. No obstante, el dominio de Arditti sobre el instrumento dejó caer las mandíbulas de los presentes. Una plaethora de técnicas de ejecución (jamás había visto tal cantidad de ellas en una sola obra). Más de 70 minutos de música.

Avanzada la mitad de la obra, la dificultad de ejecución incrementa en nuevos sentidos. Con relación a esto, cabe mencionar que, los Freeman Etudes, fueron originalmente compuestos para el violinista Paul Zukofsky. Sin embargo, Cage abandonó la obra pues había resultado imposible de tocar. Imposible hasta que Irvine Arditti puso sus manos sobre ella, probando entonces que sí era ejecutable, y además motivando a que Cage terminara la pieza casi 20 años después, con todavía más dificultades para el intérprete.

KUDOS para Arditti y RADAR, COCOS para su departamente de planeación educativa y didáctica, que quizás pudo hacer una mejor labor con la charla de Nicholls. Un concierto memorable para 2006, que nos transportó a los setentas, cuando Cage podía llamar la atención componiendo con una estética indescifrable pero complaciente para los evasores de la lógica musical tradicional. Ni hablar, Cage tiene una función súmamente importante en la evolución de las técnicas compositivas, y una muy relativo en mi fonoteca :-)

"Qué bueno, en verdad qué bueno que ya pasaron los setentas no muchachos..."

NADA MÁS POR NO DEJAR DE MENCIONARLO: Han pasado cuatro años desde que en un evento análogo en el mismo recinto, RADAR logró que una multitud enardecida tratara de derribar una puerta para poder escuchar los tres libros de estudios para piano de György Ligeti en manos de Pierre-Laurent Aimard.

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Mauricio Ramos en la Sala Ponce

José Serralde — Wed, 29 Mar 2006 23:16:02 +0000

El día de hoy, la temporada programada por la Sociedad de Concertistas Manuel M. Ponce trajo a mi querido amigo Mauricio Ramos al escenario de la sala Ponce en el Palacio de Bellas Artes. El programa fue absolutamente atípico en la dieta del recinto, al incluír una cuarteta disímbola y equilibrada de compositores: Alban Berg, Helmut Lachenmann, Chopin y Schumann; dos del siglo veinte, dos del diecinueve.

El concierto comenzó con suma puntualidad, y el Steinwey & Sons sonó como siempre, delicioso. Mauricio dio un espléndido concierto. Yo no pude sino escuchar la segunda mitad del recital: Chopin y Schumann (que por cierto fueron obras tonales que hacía muchos AÑOS no le escuchaba a Mauricio en piano solo).

Debo confesar que de ambas obras fue Schumann, el ciclo de Davidbündlertänze op. 6 lo que más me gustó, y en particular tres números, el Einfach, Sehr rasch y Zart und Sigend de los que más me conmovieron.

Mauricio siempre hace muy bien Lachenmann, así que no me queda duda que esta ocasión no fue la excepción, y así lo corroboré con algunos amigos presentes.

El touché de Mauricio es muy ligero para arpegios y escalas, lo que a menudo logra timbres súper cristalinos. Sus acordes , en cambio son más bien profundos.

Según escuché comentar a María Teresa Castrillón, quien forma parte del comité que programa en la sala, el recital de Mauricio fue elegido no sólo por su importante trayectoria como pianista, pero también por el tan atípico programa en los circuitos de pianistas mexicanos.

No cabe duda que él está abriendo una brecha, aunque sea tarde, para la educación de formas europeas de concierto en el país; sobre todo a través de sus cursos y enseñanzas a jóvenes pianistas mexicanos.

¡Bravo otra vez amigo!

"¡Tan jóven y tan talentoso!", se le oyó decir a una anciana con olor a lavanda, que más tarde, según me contaron, aseguró que las dos últimas obras "sí eran música".