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El Ensamble Cine Mudo regresó al escenario.

José Serralde — Fri, 12 Jun 2009 04:55:18 +0000

El pasado martes 9 de junio, el Ensamble Cine Mudo regresó a los escenarios después de un año y medio de receso que, José Ángel y yo, al atender proyectos personales y distintos rumbos, involuntariamente decidimos abrir.

En medio de ese año sucedió nuestro esperado aniversario número 10. Diez años tocando para el cine y los espectáculos audiovisuales en vivo.

Sospecho que somos el proyecto mexicano de música para el cine de los primeros tiempos, para el cine contemporáneo y para los espectáculos interdisciplinarios con más años dedicados a trabajar estos fenómenos, y creo que, eso, lejos de ser un motivo de alarde, deja caer sobre nuestra espalda una gran responsabilidad...

Esta vez le ha tocado a Buster Keaton, inspiración de Guy Ben-Ner, invitado de honor del Cine Club Revolución, darnos la bienvenida mientras musicalizamos su One Week (E.U., 1921) con nuestra tradicional técnica de improvisación guiada, inspirada en temas del salón de baile de los años veinte en Estados Unidos.

La semana entrante, la versión del Ensamble siguiendo las notas que dejó Dziga Vertov para la musicalización de su película; una partitura contada con palabras, y reimaginada por nosotros. Invitados al banquete, los músicos rusos, armenios y soviéticos, eso sí, que acompañaron en la distancia, a los Kinoks en sus viajes a bordo del laboratorio del cine-ojo + radio-ojo. Computadoras en el escenario usando Linux :)

¡Los esperamos!

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Requiem por Maurice Jarre, el músico del Hollywood de los 60's

José Serralde — Mon, 30 Mar 2009 13:28:58 +0000

Murió Maurice Jarre y es hora de una reflexión sobre la gran orquesta y el cine estadounidense. Es hora de hacer honor al hombre que entre otros cerebros europeos (otra vez), ayudó quizás a perpetuar la música para orquesta en la pantalla de dimensiones Cinemascope. Lo que sigue, es una reflexión nada más ;-)

Los años sesentas en la "azarosa historia del cine americano" (bendito título de la edición castellana de The Rise of the American Films, 1971 de Lewis Jacobs) fueron años de seguir la política externa y de estado como metrónomo; el cine lo financiaba el país que preparaba la guerra en Vietnam, y su destino dependía mucho de los servicios que el status quo solicitara a su industria fílmica. Contradictoriamente, el salto de los cincuentas a los sesentas, sólo vio mala racha para las cifras de producción; el dinero estaba en otra parte.

Esa otra parte quedaba lejos. Casi lejos. Residía oculta en la industria de la británica isla salvavidas y en los talentos europeos que a través de convenios multimillonarios, pusieron capitales e ideas para mantener las superproducciones de cine en la "potencia del norte". Las filiales de la productora MGM en el Reino Unido hicieron nacer producciones notables, en años en que se hacía menos cine que antes. 1962 -1963 fue, por ejemplo, un año de poquísimas películas estadounidenses en comparación a la década anterior.

Contradictoriamente, Jarre reveló su primer golpe orquestal, su sinfonía "Titán", en la súper producción de David Lean Lawrence of Arabia de 1962. La obra se convirtió en la primer partitura orquestal sorprendentemente ambiciosa en recursos instrumentales de la década, y parece haberle valido gran reconocimiento mundial instantáneamente. Pareciera que la necesidad de que la orquesta no se fuera y por el contrario, siguiera creciendo en el cine de los EEUU, la había resarcido (de nuevo) un europeo.

El azar pierde su mérito y toma su lugar la rudeza de los vasos comunicantes; la historia no es más que el mismo sol apareciendo en distinta mañana. En alguna madrugada de los años cuarenta, Max Steiner, también resignificó junto con otros austriacos el uso de la GRAN orquesta y las líneas melódicas cromáticas con su partitura para Lo que el viento se llevó de Victor Fleming. Con Lawrence of Arabia, Jarre perpetuó maneras que desde los tiempos de Steiner fueron recurrentes en el llamado "cine gringo": pienso quizás en la NECESIDAD IMPERIOSA de líneas melódicas, el coqueteo chocante con la disonancia como recurso expresivo, el uso casi ilegal de profusas secciones de alientos, etc.

De pronto me parece tan sencillo grabar música con menos instrumentos, y experimentar con otros recursos tímbricos que sean igualmente grandiosos para la gran pantalla, si de ahorrar algo de plata se trataba (lógica que en los años 70's devino en la muerte de la música orquestal para el cine mexicano, cuando el charrismo sindical dejó de proteger los caprichos de sus compositores anquilozados). Pero los cincuentas y sesentas no funcionaron así para el cine "americano".

Una vez más, una revisita al lirismo orquestal neo-romántico, venía de europeos. Los compositores europeos de la generación de Jarre conectan con la generación de Steiner. El know-how del "cine gringo" probó ser más bien pluri-nacional, y desde aquí va una caravana para el talento y oficio demoniaco de Jarre y sus más de 150 obras de música para la pantalla.

Epílogo hipótesis: tengo la impresión de que el cine de los países que tuvieron industrias cinematográficas poderosas a mediados del siglo XX, pasó por crisis severas que los obligó a abandonar muchas cosas, pero no su música hecha con grandes orquestas.

Algunos vínculos relacionados:

Murió Maurice Jarre - BBC Mundo
Fallece el compositor Maurice Jarre a los 84 años - El país
Lara's theme, tema principal de Dr. Zhivago, una de sus más sonadas obras, aunque personalmente el tema me parece malo por cosas que contaba el propio Jarre.

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Bailarina en un bote...

José Serralde — Tue, 09 Jan 2007 07:38:25 +0000

En 1969, Lev Atamanov, experimentado animador ruso, filmó su obra Bailarina en un bote. La música fue encomendada a Alfred Schnittke, uno de mis compositores más amados. Aquí los primeros 9 minutos de la obra que dura poco más de 16, cortesía de la locura YouTube. Que lo disfruten, queridos lectores del sonoblog.

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música para cine

Ensamble Cine Mudo y David Martínez

José Serralde — Thu, 23 Nov 2006 21:11:53 +0000

Dentro de los eventos de Casa Talavera (además de la charla que tendremos ahí), el Ensamble Cine Mudo musicalizará por primera vez utilizando medios electrónicos, dos cortometrajes de David Martínez. La alineación es José Ángel Lugo en las percusiones, y yo en la laptop y teclado.

Más información en el sitio del Ensamble.

La cita es en Casa Talavera, Talavera #20 y República del Salvador, Ciudad de México, alrededor de las 18:40 hrs.
Los esperamos ahí alrededor de las 17:40.

Actualización: Me han reprendido por decir que es la primera vez que el Ensamble usa medio eléctronicos. Lo reitero... En mi trabajo como solista sí que he utilizado pocesos sintéticos y "samplers" antes, pero jamás lo habíamos utilizadon en el Ensamble. Gracias por la precisión.

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Ensamble Cine Mudo, Nosferatu y Estudiante de Praga...

José Serralde — Thu, 02 Nov 2006 12:16:35 +0000

Habrán notado la considerable disminución de envíos en estas semanas. Los ensayos y preparación para las presentaciones del Ensamble Cine Mudo el 27 (El Estudiante de Praga) y 28 (Nosferatu) de octubre consumió la mayor parte de mi tiempo.

Como saben, el Ensamble Cine Mudo que fundé en 1998 (antes LAUDES Cine Mudo), ha trabajado en decenas de películas musicalizadas con distintas dotaciones, desde el piano solo hasta la pequeña jazz band. Sin embargo, debo decir que estos dos proyectos marcaron varios parteaguas en nuestro trabajo:

Menos tinta y más ejecución / composición. Hacía tiempo que, en lo personal, no preparaba dos proyectos de musicalización tan ambiciosos en una sola semana. Esto me obligó a trabajar con orden y metodología en algunas partituras (Schubert y Brahms para El Estudiante de Praga), y a revisitar algunos apuntes relacionados con las grabaciones y hojas guía que mantuvimos durante años para Nosferatu (apuntes musicales que utilizamos desde 1996, cuando Ricardo Montes Silva y yo presentamos la película, en la explanada frente a la Facultad de Odontología, en la Mega Ofrenda de Ciudad Universitaria; en aquel tiempo Yazmín Cortés, del entonces Cine Club Música, escribió y leyó el texto que presentaba la función). Por primera vez, abandonamos los viejos apuntes musicales, sólo tomamos lo que interesaba, y generamos para Nosferatu una pieza nueva... con recursos tímbricos más ambiciosos.
El estudiante de Praga, respondió estéticamente mucho más al siglo XIX que al pre-expresionismo de Paul Wegener y de Stellan Rye. Esto obligó a buscar y desarrollar recursos expresivos y narrativos en la música, dentro dellenguaje tonal (NOTA: Que el Dios de los enlaces bendiga al acorde napolitano). Bueno, la verdad es que esta búsqueda también permeo a Nosferatu; así que muchos momentos de la película fueron tonales también.
Ambas partituras fueron ejecutadas completamente por memoria.
Nosferatu nos dio la posibilidad de trabajar con Elvia Castro, flautista con un dominio basto de las técnicas extendidas en su instrumento.
Creo que finalmente, reconocí como creador la improvisación como una herramienta compositiva. ¿Tarde? ¿Obvio? Puede ser. Pero es dificil desatender horas de formación profesional en las que se privilegia la composicioń sobre escritorio (que seguiré haciendo por supuesto), y se aleja al "tocador de instrumento" de las taxonomías del compositor. El Intérprete que improvisa y crea desde un instrumento musical, ES TAN COMPOSITOR como el compositor que crea únicamente desde su oficio, imaginación y escritorio. Ambas musicalizaciones nos dieron la posibilidad de explorar esta delgada línea como nunca antes.

Debo agradecer finalmente, a José Ángel, Chepo, el percusionista del Ensamble con quien a través de estos años, he recorrido el ejercicio de la música y su relación con otros medios. En esta ocasión Chepo me exortó a dejar a un lado las partituras durante la función que, de todas formas, iban a terminar como un mero remedo de lo que sucedería musicalmente.

Gracias a todos quienes estuvieron presentes, gracias por marcarnos el rumbo que debemos tomar... gracias por celebrar al cine como una deliciosa experiencia colectiva. Gracias por hacerlo con nosotros...

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MP3: Tango del Ajenjo

José Serralde — Wed, 02 Aug 2006 09:31:17 +0000

El día de hoy, como un gesto simbólico de apoyo a los civiles, a los artistas, a los exilios, a las lágrimas, a las banquetas húmedas, a los corazones, la sangre, las manos crispadas y el sudor en Líbano, libero bajo Licencia Creative Commons mi pieza:

Tango del Ajenjo [Exilio] (3'07)

Escucha en línea:

Flujo MP3 128Kbps

Flujo MP3 64kbps

Vía FLASH (archive.org)

Descarga archivo:

Descargar archivo MP3 128kbps, 3.0Mb

Descargar archivo MP3 64kbps, 1.5Mb

Descargar archivo OGG, VBR, 2.3Mb

Por si nada más sirve, WMA 64Kbps, 1.5Mb, pero por el bien de todos, no usen Windows Media Player.

(CC) José Serralde. Algunos derechos reservados.
Reconocimiento-NoComercial-CompartirIgual 2.5

El significado de esta pieza toca también a los que sufren y abandonan en el lado Israelí, pero sucede que esta música se conectó sola con Beirut cuando fue compuesta hace algunos meses, como si tuviera la vida propia de un adivino. Espero sirva.

Algunas notas a continuación...

Es el soundtrack para el ensayo/cortometraje de mi hermano por convicción Gabriel Rodríguez, Pulgar izquierdo. La historia es la siguiente:

En aquellos días, escribí la pieza más o menos rápido, y después de grabarla pedí algunos comentarios a músicos y gente de cine a mi alrededor. Tuve a raíz de eso una intensa y aleccionadora plática con el compositor David Hernández, después de la cual detecté que faltaba mucho trabajo por hacer en la línea melódica, muchas modulaciones posibles y un mar infinito de recursos musicales por pulir, para que se convirtiera en un digno ejercicio a la manera de Piazzolla. La pieza, quizás atendía el carácter y sentimiento del EXILIO en el cortometraje de Gabriel, pero necesitaba más horas frente al papel.

Un buen día, mientras trabajaba en esas correcciones, me encontré en línea con una cineasta libanesa, cuya obra mucho aprecio. Sin más, le mostré la música a través del mensajero instantáneo, para recibir de ella un comentario que hasta la fecha estoy muy lejos de poder comprender: "Así se siente en Beirut ahora".

Ella era la única que conocía los sonidos de la guerra y el exilio, la única entre todos a quienes pregunté... el Beirut a su alrededor ya no era amable... ignorábamos que faltaban sólo unos meses para que la sin razón destruyera las esperanzas.

Se me fue el aliento, y las ideas se paralizaron.

Sin abundar más en lo que pasaba... dejé el lápiz.

Cerré mi programa de grabación, escribí una dedicatoria para ella en la pieza, "a R. Mitri", y dejé el trabajo tal como estaba. No es que la obra fuera buena o efectiva. Fue más bien una conexión en la música misma... una conexión que los compositores, adustos y sabelotodos, sencillamente no solemos entender... cuando la comprendamos nos haremos buenos músicos.

Libero pues esta obra bajo los Commons, en un momento en el que quizás algunos libaneses están dejando de creer en la comunidad internacional. Va por ellos, y por todos aquellos que tienen que abandonar, para encontrar armonías más placenteras en su vida.

Valga mencionar que como muchos de mis trabajos recientes, la grabación fue producida integralmente en software libre GNU/Linux, Ardour, Rosegarden, Qsynth/Fluidsynth y las librerías PC51f y Akai-Steinway III.

El "hosting" es provisto por archive.org.
ACTUALIZACIÓN: Ya están disponibles las versiones en FLASH y WMA para usuarios de Windows Media Player que no podrán escuchar el MP3.

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Gyorgy Ligeti (1923-2006), se ha ido esta mañana.

José Serralde — Mon, 12 Jun 2006 19:44:50 +0000

Esta mañana falleció el compositor húngaro György Sandor Ligeti dejando obras para orquesta, ensambles de cámara y para instrumentos solos, que influenciarán por generaciones a los compositores de música académica de concierto [y cine].

Por qué lo recordaremos siempre...

Ligeti y otros compositores de su generación experimentaron con recursos musicales que acercaron la composición musical con los modelos matemáticos; el trabajo de los ejecutantes, con la precisión de las máquinas.

No obstante, Ligeti recurrió a otras estrategias. Quizás su experiencia en el estudio de música electrónica de Colonia al lado de Stockhausen y Kagel, lo sensibilizó con el sonido, para jamás dejar de experimentar con el timbre de los instrumentos y su relación con la complejidad rítmica.

Una partitura de Ligeti pide, por ejemplo: a pianistas llevar un pulso distinto en la mano derecha que en la izquierda; a un organista hacer variar la presión del aire de un gran órgano catedralicio; a un coro dividirse en muchas partes para generar una nueva textura sonora con la suma de voces... entre otros muchos recursos.

Quizás no fue el único que utilizó esas técnicas... pero las utilizó como sólo Ligeti pudo hacerlo y en muchos casos, quizás por primera vez.

Y Ligeti se ha ido... directo a la Lux Aeterna. Desde aquí, va una égloga polirítmica para su partida.

Aunque la nota de CNN se encuentre bajo la clasificación SHOWBIZ, es muy completa y respetuosa.

La pagina oficial del compositor, ya incluye su fecha de fallecimiento...

POSTDATA

La primera vez que escuché a Ligeti, experiencia que quizás compartan conmigo, fue durante el alucinante final de la película 2001: A Space Odyssey (1968) del fabuloso Stanley Kubrick. A lo largo del temible viaje de consciencia del astronauta David Bowman, en la órbita de Jupiter. Lo que suena es la obra para coro a capella llamada Lux Aeterna (1966), que siempre eriza la piel. Ligeti está en 2001 tras la triste historia de Alex North, y su trabajo de semanas para la composición de música original para la película. Después de discusiones y trabajo con Kubrick, North llegó el día del estreno de 2001, seguramente con la consabida sensación que nos acosa a los músicos para medios: el terror de escuchar lo que hizo el director con nuestra música. Pero la sorpresa fue más contundente: Kubrick no había utilizado una sola nota de la música de North, había en cambio escogido una serie de obras de su bastísima cultura musical personal para musicalizar su película, entre las que estaba la citada obra de Ligeti.

Como sea, Kubrick dio cátedra sobre la utilización de música atonal en el cine, y volvió a utilizar a Ligeti en su película Eyes Wide Shut, en la ceremonia orgiástica, cuando sólo un piano toca 2 mounstrosas notas de la obra para piano solo Musica Ricercata (1951-1953). De esa forma estoy seguro, Ligeti terminó influyendo también el gusto de muchos musicalizadores para medios audiovisuales.

Gracias a Arturo Villela por la "cotorra" imagen del autor, tomada de aquí.

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Zimmer - Una partitura para cine censurada.

José Serralde — Mon, 08 May 2006 20:39:42 +0000

o... qué bonito es nuestro oficio.

La British Board of Film Classification consideró la partitura de Hans Zimmer para "The DaVinci Code", como no apata para menores de 15 años, y decidió censurarla.

El argumento principal: "la música era demasiado tensa para los niños más pequeños y los niveles sonoros acentuaban la violencia."

El artículo en el Diario de San Diego, referencía palabras de Sue Palmer, autora del libro "Toxic Childhood", sobre el tema de la música en los medios. Interesante aunque desarticulada fuente.

El argumento es muy extraño, pues la música de Zimmer no se ha caracterizado por ser inminentemente estruendosa en obras anteriores.

Por el contrario, la edad ha logrado que Zimmer perciba, a mi gusto, mucho más las sutilezas de la imagen. Recuerdo que, en sus partituras para Rainman (1988) y Driving Miss Daisy (1989), piezas que lo validaron en la industria estadounidense, sus habilidades se centraron en la creación de líneas melódicas escuetas pero muy pertinentes para subrayar atmóstferas. Es decir, creo que Zimmer no era un compositor temático pero sí un gran compositor atmosférico, súmamente hábil para captar el sentido general de una escena.

El último trabajo que me llamó la atención, ese sí algo grandielocuente, lo escribió al lado del profe Alan Silvestri para Batman Begins; donde por el contrario, una serie de violentos espasmos musicales a veces atonales, dialogaban con arquitectónicas estructuras narrativas en la música... frases concluyendo e iniciando en el momento justo para apoyar la resolución de una línea dramática, etc. Una partitura que me pareció bastante cuidada.

No obstante, estoy ansioso por conocer su trabajo para DaVinci Code. Desafortunadamente la versión que se exhibirá en Reino Unido al menos, ya trae la banda sonora alterada, para no perder los miles a razón de públicos restringidos. Lo peor es que no sabemos con precisión cómo se hizo esa censura.

Hans Zimmer debe sentirse orgulloso, pues otros compositores verdaderamente estruendosos, no se han ganado una censura emocional. Quizás su música esta vez fue demasiado emotiva. Y la verdad, para algunos músicos - me gustaría contarme entre ellos - demasiado en ese sentido es mejor :-) .

[Vale pues ya, a ir al cine a consumir su peliculucha taquillera, basada en su novelucha taquillera... finalmente está Audrey Tatou, que es un bombón, y a Kaira le encanta Jean Reno]

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Hace 4 años en Cineteca - Dr Mabuse, der Spieler - música en vivo.

José Serralde — Fri, 28 Apr 2006 08:16:16 +0000

En 2002, la Cineteca Nacional proyectó "Dr. Mabuse,Der Spieler", una colosal obra de Fritz Lang filmada en 1922.

Se me encomendó la música que acompañaría dos días de proyección de la película, con un poco más de 5 horas de duración. 3 horas el primer día y 2 el segundo, tocando el piano.

A propósito de la edición de las carpetas 2006 del ahora renombrado y renovado Ensamble Cine Mudo, y cuyas nuevas andanzas les haré saber, hice un poco de arqueología en mi archivo personal de grabaciones.

De esta manera descubrí la filmación que mi Kaira V. Rosas, hizo en aquellos años. Las fuentes musicales que construyeron la estética de esa maratónica improvisación guiada, fueron obras de Ravel ( Gaspard de la Nuit principalmente ) y algunas cositas de Berg, fáciles de leer ( uy sí, facilísimas ).

Busqué la suma de Scarbo y "algoasícomolasuitelírica", para evocar el mal con el primero y el cromatismo eterno (que me da la sensación de no-llegar-nunca-a-nada) del segundo. Al menos esa fue mi apología en aquella presentación.

Lo que me parece, es que el resultado no fue ni suma ni resta. En realidad fue una libre interpretación que, si bien sí aludió a Ravel y a Berg por momentos, también se volvió un poco más reiterativa de lo que yo hubiera querido. No obstante, creo que estoy satisfecho en general con lo que pudimos compartir aquellas noches.

Valga mencionar que la fatiga de tocar 5 horas de película comenzó a evidenciarse en las octavas algo sucias... no obstante, qué oportunidad grandiosa tuvimos de ver todas esas horas de Lang en México.

Cabe mencionar que algunas magníficas tomas de Kaira han servido para editar el video "Ensamble Cine Mudo. Revisando.", que además cuenta con una licencia Creative Commons.

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REQUIEM: Miguel Zacarías... murió hace unas horas / died hours ago...

José Serralde — Fri, 21 Apr 2006 02:46:08 +0000

Acreedor a la medalla Salvador Toscano, casi constructor de una estética cinematográfica suya (a discusión). Zacarías, un anciano "luminoso", privado por los años de la vista, hizo una de sus últimas apariciones públicas en las celebraciones del 75 Aniversario del Cine Sonoro en México.

A mi parecer, su película El Peñon de las Ánimas es uno de los filmes que más estudio necesita en vías de comprender la estética de la musicalización cinematográfica de tres décadas en el país; fue Manuel Esperón el encargado de aquella partitura.

Descanse en paz, maestro Zacarías.

*** ENGLISH BRIEFING:

Miguel Zacarías died today. IMHO, his film "El Peñón de las Ánimas" is an important hitus for mexican music for the films. Esperón was its composer.

Rest in peace, master Zacarías.

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10 años haciendo música para cine mudo.

José Serralde — Tue, 04 Apr 2006 20:40:47 +0000

Un 4 de abril de 1996, Carlos González y yo, decidimos trasladar la función del Cine Club Música, de la Sala Huehuecoyotl a la cual nadie asistía, a la explanada de la Escuela Nacional de Música.

La función incluía un programa de cortos de Brighton, el pionero inglés de la narrativa cinematográfica a través del montaje, y el Programa Meliès de la Filmoteca UNAM.

El primero fue musicalizado por un pianista que invité, y cuyo nombre desfortunadamente no recuerdo. El segundo lo musicalicé yo.

El programa comenzó con la película Le voyage dans la lune, 1902, de Georges Méliès; para la cual, sin tener la más remota idea de lo que hacía, hice una cita libertina sobre ideas musicales de "Los Planetas" de Gustave Holtz, obra que por cierto nada aprecio.

Recuerdo haber terminado la proyección bastante frustrado, al no poder concretar en mi ejecución las ideas musicales que imaginaba.

Meses después, obtuve mi más baja calificación de toda mi carrera: el Mtro. Gonzálo Ruiz Esparza había juzgado mis habilidades en Armonía al Teclado.

10 años después, tengo al menos claro que el fraseo, la articulación, y la armonía tonal tienen un arraigo indiscutible con las formas en las que aprendimos a relacionar la música con las imágenes en movimiento.

10 años después, debe ser inminente continuar con la enseñanza a otros; sobre todo, a los que vienen.

ACTUALIZACIÓN: Cabe mencionar, que quiero compartir con Uds. esta celebración este año; los mantendré informados.